Humanistic solemnity and conscientiousness in the orphean images of Natalia Conde’s Painting

By: Abil Peralta Agüero 

Each moment of social, political and cultural history of humanity is expressed as a print, a stamp or an emblem in the artistic iconography that man, in each of his respective degrees of civilization, marks in a cavern, a wall, marble, cloth or wood.

That is the case of the extended iconographic gallery that the lower Paleolithic man left recorded in the gallery of images tha magically expresses the primitive intuition and drawing in the caves of Lacaux and Altamira. This can also be seen in the aesthetic memory of the Hellenic art, Romantic art, Italian and Spanish Renaissance, French Romanticism or more recently in the dramatic critical manifestation belonging to the aesthetic codes of Modern Art.

As a link interacting between the most diverse proposals and typologies of the history of art, we warn that the theme, the critical thinking of art focus on the affirmation of drama and the social commitment as direct referents of human redemption needs. Humanity, through an invisible voice claims and will always claim the artist as the most authentic holder of the voice that thinks for everybody.

The dominican painter Natalia Conde, discovered by the dominican master sculptor Antonio Prats Ventós, has decided, according to what her pictorial signology projects, to be a particular artist. Not an artist from the peripherical history but one of those who take the responsibility, the right to rip the veil of  human conscience, claiming the truth of faith, the depth of wounds and the painful signs that have marked history from the time of our origins, expressed through individual and collective violence, love erosion or war wickedness.

She is an artist who sensibly prophases the urgency of peace and asks for psalmist actions against war in her hieratical pictoric scenes.

Natalia Conde's neo figurative formulation gets drama as part of an epic and solemn vocabulary that from her orphean atmosphere denies all theatrical scenes in order to be translated or to evoke a climate where symbol prevails. All these achieved from the fornulation of aesthetic phenomena expressed through the potencialization of spectral light, dense color, sectional glaze, vaporous texture, internal drawings and a volumetric movement near the sculptural rhythm in the anatomic exposition of bodies. Exposition that in Pero della Francesa or El Greco succed in slating visual phenomena ruled by a strong internal plastic tension.

Her painting emerges from the exercise of a focalized look to the substance of conscience of history. The windingly shape of bodies that she designs, structures and integrates in her cloths, a delicate volumetric form, creates states pertaining to the spectator's eyesight from a tension between volume and movement. This is provoked as a perceptive phenomenon seeing in a “gathering” way, the dramatic mass of naked bodies manifestating complete absence of psychological action.

By using chromatic resources, shown in her cloths as alchemic colors, abrasive, almost sour, we can appreciate vibratic and long mystical transubstantial figures due to non-visible flares. These flares have taken away materiality from their souls. Her art is emotive and spiritual, enriched by the iconic images of solid bodies that lead us to critical thinking.

These are, in her works of art, bodies that in their lost of faces retain a enigmatical identity that could be any of our faces. Faces that show possible victims in any scenario from the war of violent barbarism that today attack humanity from everywhere.

Her daring chromatism, treated over the cloth as fotagge, harmony, spirit and the dramatic splendor of her compositional structures lead us to remember the mass of angels of “Asunción” shown in Cinquencento Corregio or Rubens' flamenco in his celebrated painting “los horrores de la Guerra”, painted by the Duke of Toscana and where the painter wrote “this lugubrious matron dressed in black is the unhappy Europe sad for so many wars, rapine, outrage and misery”.

The artist enlarges the composition of her internal architectural harmony with the balance of tones and dominant rhythms that accentuate in her dramatic and symbolic spectrum the overlapling of nude bodies that take and reflect light units. These units provoke powerful reflective sensations and mystic states in the spectators, both over the pass of life and the terrible auto destructive capacity of humanity.

1n occasions the painter, showing her great dominium of volumetric and visual composition, constructs scenes in which we perceive mixed up bodies horizontally, diagonally and verticality. This last expositive linearity is accentuated by the dramatic plastic movement of motionless bodies ready to lay on the floor, showing a strong symbolism among the fragility of life and human condition.

These dense plays of luminic effects provoke a cataclysmic sensation in the perceptive look. The artist gets them from her capacity to administrate the force of her interior drawing, stylistic resource that she makes prevail both in her works of art with a strong dramatic accent and in those where she celebrates the ancestral identity or manifests the unsoundalbe laborious study of the orphean.

In Natalia Conde's art acts and plastic initiatives operate over the cloth, from her personal perspective, her aim at the conscious destruction of the visible world and it’s later reconstruction. This is her way of activating internal forces that are true to her creative identity, getting closer to the complex aesthetic phenomena that Paul Cezanne defined as "Pettit sensation".

Drawing, design, equilibrium, rhythm and romantic compositional structure, plus her intuitive and sensible administration of the foreshortening in her bodies, make these paintings owners of an atmosphere usually defined as a state of permanent evaporation, personal creation. Natatlia Conte's art is near symbolist painting, gathering the aesthetic priority with the social aspect, holding consciousness clearly defined in her semantic and visual temperament.

The capacity of linking sources from reality and from the unconscious, let us appreciate her stylistic phenomena as sensitive experiences ruled by a strong philosophical sense of humanity, existentialism, and spirit.

This is as if the artist wants to set up the dream republic in her canvas so as to prevent scenes as dramatic and apocalyptic as the holocaust, the Balkan war, September 11th.

We believe in this kind of aesthetic, philosophical and conceptual manifestation. Her sensibility and creative conscience makes evident in each of her canvas rigor in design, constructive spirit, dynamic harmony and wise games that lead her art to states of equilibrium and depth. All these features speak very well of her creative capacity as an artist who all along her career has preferred developing a discrete artistic personality, away from the banners that announce the more and more complex show of art in our days.

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"Sobre las huellas, camino" Museo de las Casas Reales. 22 de Marzo de 2005.

Santo Domingo. República Dominicana.

Solemnidad y concienciación humanística en las imágenes órficas de la pintura de Natalia Conde

Por: Abil Peralta Agüero

Cada momento de la historia social, política y cultural de la humanidad se manifiesta como huella, sello o emblema de la historia misma en la iconografía artística que el hombre, en cada uno de sus respectivos estadios de civilización deja marcado en la caverna, el muro, en el mármol, en la tela o la madera.

Justo así podemos comprobarlo en la amplia galería iconográfica que el hombre del paleolítico inferior deja grabadas en la galería de imágenes que como mágica expresión de la intuición primitiva pinto y dibujo en las cuevas de Lacaux y Altamira; o bien en la memoria estética del arte helénico, el arte románico, el renacimiento italiano, el renacimiento español, el romanticismo francés, o mas recientemente en la dramática manifestación critica correspondiente a los códigos estéticos del arte moderno.

Como línea de enlace que interactúa entre las mas diversas propuestas y tipologías de la historia del arte, advertimos que como eje temático, la conciencia critica del arte apunta hacia la afirmación del drama y el compromiso social como referencia directas a las necesidades de redención que la humanidad, mediante voz invisible reclama y reclamara siempre del artista como el mas autentico portador de la voz que piensa en el nombre de todos.

La pintora dominicana Natalia Conde, tocada por la mirada del descubrimiento del maestro escultor dominicano Antonio Prats Ventós, ha decidido según proyecta la signología de su pictorialidad, ser una artista de las que no andan transitando por la periferia de la historia, sino de aquellas que asumen con responsabilidad el derecho a desgarrar el velo de la conciencia humana; reclamando la verdad de la fe, la profundidad de la herida y los signos que el dolor que ha marcado desde los tiempos mismos de nuestro origen primigenio, expresado a través de la violencia individual y colectiva, la erosión del amor o la perversidad de la guerra.

Se trata de una artista que profetiza con gesto sensible la urgencia de la paz, y pide acciones salmísticas en contra de la guerra en sus hieráticas escenas pictóricas.

Las formulaciones neo figúrales de Natalia Conde asumen el drama como parte de un vocabulario épico y solemne que desde su atmósfera órfica, niega toda articulación escénica de teatralidad, para traducirse o evocar un c1ima en el que prevalezca el símbolo, a partir de la formulación de fenómenos estéticos expresados a través de la potenciación de la luz espectral, el color den so, la veladura seccionada, la textura vaporosa, el dibujo interior y una volumetría y movimiento próximos al ritmo escultórico en la exposición anatómica de los cuerpos que a la manera de la Piero della Francesca o el Greco logra traducir a fenómenos visualisticos normados por una fuerte tensión plástica interior.

Su pintura emerge del ejercicio de una mirada focalizada hacia la sustancia de la conciencia de la historia, por lo que la forma serpenteante de los cuerpos que diseña, estructura e integra a sus telas, a partir de una volumétrica ingrávida, crean en el espectador estados visivos de una fuerte tensión entre volumen y movimiento, provocando como fenómeno perceptivo que veamos a la manera de "amontonamiento" dramáticas masas de cuerpos desnudos que en su expresión inerte manifiestan toda ausencia de acción psicológica.

Utilizando recursos cromáticos que expone en sus telas como alquímicos colores abrasivos, casi ácidos, vemos emerger figuras vibrantes y alargadas como místicamente transustanciadas por llamaradas no visibles que le han arrancado la materialidad de sus almas. Su arte es emotivo y espiritual, enriquecido por las imágenes icónicas de unos cuerpos macizos que nos golpean hasta el razonamiento crítico.

Hay en sus obras, una suma de cuerpos que en su falta de rostros aguardan una identidad misterica que bien pudiera ser el rostro de cualesquiera de nosotros, victimas posibles en cualquier escenario del mundo de la barbarie de la guerra o la violencia desatada que hoy ataca por todos los flancos de la humanidad.

Su audaz cromatismo, tratado sobre la superficie telica a la manera de los efectos del frotagge, la armonía, brío y esplendor dram6tico de sus estructuras compositivas nos llevan a recordar esas masas de Ángeles que en su "Asunción" nos expuso en el Cinquencento Corregio o bien el flamenco Rubens en su celebrada obra "Los horrores de la guerra", pintada para el Duque de Toscana, y sobre la que el pintor escribiera: "Esa lúgubre matrona vestida negro, es la infeliz Europa afligida por tantas guerras, por la rapiña, el ultraje y la miseria".

La composición de una consumada armonía que domina la arquitectura interior de sus obras, la artista la enriquece a partir del equilibrio de tonos y ritmos dominantes que acentúa en su espectro dram6tico y simbólico al superponer cuerpos que en su desnudez asumen y refractan unidades de luz que provocan en el espectador poderosas sensaciones de reflexión existencial y estados mistericos, tanto sobre la transitoriedad de la vida como sobre la terrible capacidad autodestructiva de la humanidad.

En ocasiones la artista, dando demostraciones de un sabio dominio de la volumetría y la composición visual, estructura escenas en las que percibimos cuerpos cruzados en horizontalidad, la diagonalidad y la verticalidad, esta ultima linealidad expositiva atrevidamente acentuada por el dramático movimiento plástico de cuerpos inertes en posiciones de precipitación hacia el suelo, exponiendo así un fuerte simbolismo sobre la fragilidad de la vida y la condición humana.

Esos densos juegos de reflejos lumínicos que provocan en la mirada perceptora sensaciones cataclismica, la artista los obtiene de su capacidad para administrar 10 fuerza de su dibujo interior, recurso estilístico que hace prevalecer tanto en su obra de fuerte acento dramático como en aquellas en las que celebra la identidad ancestral o manifiesta lo insondable e lucubración de lo onírico.

En el arte de Natalia Conde operan los actos y las iniciativas plásticas de apuesta hacia la destrucción consciente del mundo visible y su posterior reconstrucción sobre la tela desde su óptica personal, como una forma de activar impulsos interiores que lo mantengan fiel a su identidad creadora, aproximándose a ese complejo fenómeno estético que Paul Cesanne definió como "petitle sensation".

Dibujo, diseño, equilibrio, ritmo y armónica estructura composicional, sumados a su intuitiva y sensible administración de los escorzos en sus cuerpos, hacen de esta pinturas, portadoras de una atmósfera que la define visualmente como en estado de evaporación permanente, un acto de creación personal que aproxima la obra de Natalia Conde a los estadios de la pintura simbolista que, conjugando la prioridad del acto estético con lo

social, suscribe ideas de concienciación claramente definidas en su semántica y temperamento visual.

Esa capacidad de establecer una conectiva entre las fuentes de la realidad y la provisión inagotable del inconsciente, permite que concibamos sus fenómeno estilístico como vivencias sensitivas normados por un fuerte sentido filosófico de lo humanístico, existencial y espiritual.

Es como si la artista aspirara a fundar la republica de los sueños en sus telas, como para que jamás se repitiera ante la mirada humana, escenas tan dramáticas y tan apocalípticas como el holocausto, la guerra de Los Balcanes, el once de septiembre ..

Creemos en este tipo de manifestación estilística, filosófica y conceptual, porque el margen de que es caligrafía de su sensibilidad y de su conciencia creadora, patentiza en cada una de sus telas, rigor de diseño, espíritu constructivo, armonía dinámica y sobrios juegos de proporciones que elevan su arte a estados de equilibrio y profundidad que hablan muy bien de la capacidad creadora de una artista, que a lo largo de su carrera pictórica ha preferido apostar a la definición de una personalidad artística discreta, apartada de los carteles que anuncian el cada vez más complejo espectáculo del arte de nuestro tiempo.

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Publicado en: Catálogo de la muestra "Sobre Las Huellas, Camino". Museo de las Casas Reales. 

22 de marzo del 2005. Santo Domingo. RD

“Antítesis de la Memoria” en la Casa Guayasamín

Por: May Ling Joa /Reportera Juvenil

La penumbra que cubría una pequeña parte de la calle E1 Conde de nuestra Zona Colonial, quedó iluminada por los destello de luz y color que irradiaban los cuadros de Natalia Conde, colgados en las paredes de la Casa Guayasamín.

“Antítesis de la Memoria” es la primera exposición individual de la artista dominicana quien ha participado en exposiciones colectivas internacionales y ha sido merecedora de premios en diversos concursos.

Natalia Conde utiliza colores que van desde los acres, azules, naranja, violeta, hasta los tonos tierra. La temática tiene como elemento fundamental la figura humana, trabajada con la técnica del cubismo, que permite proyectar las imágenes desde distintos ángulos, perdiéndose siempre en un fondo abstracto. Su arte puede definirse como expresionista y surrealista. La pintora lo describe, en sus propias palabras, como su vida.

Laura Gil, antigua profesora de Natalia Conde, introdujo la colección. También estuvieron presentes los señores Luís Narváez y Uno Pena, embajador y cónsul, respectivamente, de la Republica de Ecuador, entre otras personalidades.

La participación inesperada del locutor Osvaldo cepeda añadió una chispa poética a una noche ya mágica al decir “ ... nosotros podemos tener las palabras. pero usted tiene el colorido ...” refiriéndose a la belleza de lo creado por la artista.

Natalia conde y la benevolencia de sufrir por su Arte

Por: Cándido Gerón 

Fundirse en la creación es comprender el drama de sus misterios. EI artista hará que su obra emplace ese destino. EI artista no tiene otra alternativa que reconocerse en ella, porque siempre los espíritus se pondrán de su parte.

EI arte y el artista luchan dentro de si mismo, es decir, compiten para superarse uno al otro. Como la sutileza intelectual que crea con desesperación la forma extraña de la palabra, con envidiable reputación.

Impactante su técnica. Sus pinturas producen en el espectador una catarsis de sueños y conquistas. Acusa su energía un poder de síntesis cromática sorprendente. Desde el punto de vista de su arquitectura, su obra plástica expone en su conjunto una metamorfosis consecuente con su emoción comunicativa.

Las visiones de la artista parecen surgir de un mundo onírico, al transmutar las imágenes de sus personajes, las cuales se distienden y se reconcilian en sus amores. Partiendo de estas premisas, estos personajes disponen del movimiento y de la composición, porque no hay duda de que Natalia Conde tiene un gran dominio de las soluciones pictóricas.

Lo que mas le interesa a ella son las sublimaciones, los supuestos, las apariencias, para explorar de manera espontánea en lo místico, que es lo mismo que decir, en los orígenes de la humanidad, pero, claro esta, sin caer en prosaísmo o trivialidades. De hecho, Natalia Conde es una pintora con amplitud de miras, que no se contenta con las formas manidas del arte, sino que va mas allá de sus visiones hasta establecer un esquema de innovaciones y descubrimientos.

Estas visiones, no obstante, se afirman en lo académico y en un corolario de ideas subyugantes, hasta establecer un abanico de reflexiones inmutables.

Pocas artistas dominicanas poseen el bagaje académico e intelectual de Natalia Conde. Hablar del cromatismo envolvente de su pintura, es hacer un ejercicio mecánico, puesto que ya nos tiene acostumbrados a la seductora luz de sus cuadros. Ni que decir del placer que nos producen también, sus imágenes, ricas en recursos y vivencias.

En sus pinturas, para decirlo con palabras de Carlos Baudelaire: "el juego es una pasión violenta y con tenida al mismo tiempo”. Es fácil advertir sus fulgores, las alegrías y tristezas de sus modelos, la interioridad y superioridad de algunos, el sentimiento trágico, anodino, la mezcla de regocijo y destemplanzas. Hay en ellas, como ya hemos afirmado

en otros trabajos, lo axiomático y primitivo, el problema de la identidad y la preocupación mística que es el telón de escándalos o silencios que desmadejan la mayoría de sus personajes.

Estos personajes, evidentemente, reproducen el más fiel espejo de la vida, por ello, al estudiar el arte de Natalia Conde, debemos tener mucho cuidado en las interpretaciones, pues, se puede dar el caso de que las aceptemos erróneamente. Aunque no podemos negar que estos personajes son violentos como las pinceladas e impulsos místicos de la artista, que ciertas imágenes pueden llevarnos a las alegrías y desesperos que ella refleja, pero lo que más nos interesa en su arte es el valor artístico, la doble naturaleza que suscita la frontera de lo maravilloso.

Haré observar una vez mas, la dominante personalidad de Natalia Conde, una artista de muchas garras pictóricas. Por otra parte, y como forma curiosa, ella participa en sus pinturas como espectadora desinteresada, inclinándose tenebrosa -como diría Baudelaire- en los homos de la metafísica. De esa manera, se aproxima a su infancia y, no obstante,  y sin esfuerzo alguno, pinta muy rica y espiritualmente. 

Publicado en: catálogo "Antítesis de la memoria" Págs. 3 & 4

Fundación Guayasamín / Santo Domingo. 1998.

Antonio Prats Ventós: Natalia Conde

By: Antonio Prats Ventós

Ever since the beginning, when she studied in the Plastic Arts School of the Pedro Henríquez Ureña National University, her teachers realized that she was something special: She had an inquisitive attitude that went beyond our answers. She didn't limit herself to what we taught her based on a program. Instead, she would work more than what we would ask her to and she would question more than we could answer.

Years of experience with students gave us the intuition that Natalia Conde was going to be an artist.

I have to clarify that an Art Schools teaches craftmanship to facilitate expression in any artistic manifestation, but they are not factories of artists. This depends on the sensibility of each person, on his creative imagination, on his work capacity, and on his sense of aesthetics , without caring about the incidences of daily life. He has to do his artwork passionately all the time.

This is the case of Natalia.

Her personality, her ease, the formats, and her constant dedication allows us to assure that the promise that she made her teachers believe, that they had AN ARTIST -in capital letters- in formation, has been amply fulfilled. Continue like that Natalia.

 September 5th, 1998

Antonio Prats Ventós: Natalia Conde

Por: Antonio Prats Ventós

Desde un principio, cuando ella estudiaba en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña, nos dimos cuenta los profesores, que era algo especial. Tenia una actitud inquisitiva que iba mas allá de nuestras respuestas. No se limitaba a lo que le enseñábamos, basado en un programa, sino que trabajaba más de lo que le pedíamos y preguntaba más de lo que podíamos contestar.

Años de experiencia con alumnos nos hacían intuir que Natalia Conde iba a ser artista.

Tengo que aclarar que las Escuelas de Arte enseñan oficio para facilitar la expresión en cualquier manifestación artística, porque no son fabricas de artistas. Esto depende de la sensibilidad de cada persona, de su imaginación creadora, de su capacidad de trabajo y de su sentido de lo bello, sin importar las incidencias del diario vivir. Tiene que hacer su obra apasionadamente todo el tiempo.

Y este es el caso de Natalia.

Su personalidad, su soltura, los formatos y su dedicación constantes nos permiten asegurar que aquella promesa que nos hizo creer a sus profesores que teníamos UNA ARTISTA -con mayúscula- en formación, ha sido cumplida con creces. Sigue así Natalia.

5 de septiembre del 1998.

María Ugarte: The art of Natalia Conde

By María Ugarte

Dominican Republic Correspondant.
Tiempos del Mundo

In the search for something original and different, Natalia Conde, sure of herself, has created, is creating and will probably continue to create over the canvas a universe of creatures full of rhythm and mystery, some inspired in feelings or in ideas; others, in turbulent happenings, in catastrophes, in tremendous and absurd experiences.

For this dominican painter, the art, the paint, is not a means of life nor a function, instead, it is the necessity to give free rein to her fantasies, to her open temper; to completely overturn in the invention of those round and at the same time, indecisive beings, that impetuously pass through her paintbrushes to, once captured on the cloth, convert them into her participants in dialogues, jesters and mischievous beings on occasions, frequently serious and stem, but always innermost. The accentuated volume that she accomplishes in her works imprints sculptoristic value to the forms and adds strength to her paintings of intense and sober tones, sometimes monochromatic, in which the shadows and lights harmoniously combine or struggle to destroy one another.

Let nobody look for neither sensibilities nor feminine primeness in Natalia Conde's art. Instead, have them try to guess her creating uneasiness and her constant desire to discover, in the middle of the illuminated obscurity, the human being with his great defects and his great virtues; with his joys and sorrows; with his successes and failures. Because between volumes and roundnesses she looks to accomplish in her works that anguished synthesis capable of revealing, in a bold trait, in a confusing figure, in daring curves, the hidden beauty that she does not want to let escape. Natalia Conde is very passionate of her art; its irredeemable slave. And with her dominating and delightful optimism, before the virgin painting that will serve as support of her dreams, of her hopes, and of her inspiration. It does not matter that her characters are tragic, that her themes are somber, that the forms result enigmatic and imprecise. Because the artist will continue her task with decision, with joy, with an optimistic vision of life.

Singular contrast that of Natalia Conde: a creator capable of capturing on lines, colors, and voluminous death scenes, anguishes and tragedies, and that, at the same time, as a human being, she is open, vivacious, and optimistic.

In the paintings that she presents today in this her second individual exposition the good observer can acknowledge the unbendable personality of this young Dominican artist.

By María Ugarte Art Critic  / Tiempos del Mundo

Thurs 24 of July 2003. Art y culture. Page 49.